建筑摄影的历史

自从摄影术首次出现以来，建筑一直是摄影的主要对象之一。最早幸存的照片就是有关建筑的：Nicéphore Niépce的1826年或1827年拍摄的《Le Gras窗外景观》。

Nicéphore Niépce, View from the Window at Le Gras

建筑物特别适合早期摄影技术，因为早期摄影术需要长时间曝光，因此不会移动的建筑作为被拍摄对象，能获得高质量的照片，这使得建筑摄影成为最早的摄影专业之一。

然而，第一批建筑照片主要是作为记录图像拍摄的，并没有什么创意野心。 20世纪初，Frederick Evans等摄影师开始考虑更复杂，风格化的图像，考虑他们所拍摄建筑主题的独特性。

到了20世纪，建筑摄影逐渐变得更具创造性，成为当时风格报道的一部分，出现在艺术，建筑和生活方式杂志，摄影和建筑书籍中。它成为传达风格，设计和技术的最新想法的关键方法，有时是戏剧性的图像，描绘了理想的建筑物，通常从不寻常的角度拍摄。

今天，建筑摄影的用途已经扩展，从用乙烯基印刷的大量图像和用于封闭建筑工地的大量图像，到对缩略图可读的小型数字图像的需求日益增加，并且可以在社交媒体上共享。图像变得易于获取，摄影的门槛也越来越低，但图像的价值相较以往更加重要。除此之外，数码时代的到来给建筑摄影师带来极大便利，如今已经很少有人使用笨重的大画幅胶片相机，同时诸如定格摄影（stop motion）之类的新技术变得越来越流行，特别是用于记录现场或制造过程的进展。随着无人机等新技术的出现，航空摄影等先前昂贵的技术变得越来越容易获得。

随着CGI（计算机生成图像）和虚拟现实等可视化模式的普及，人们担心传统的建筑摄影可能会受到威胁。然而，尽管现有技术日益复杂，但人们普遍认为，高质量的摄影表现比计算机模拟能够提供更准确和动态的建筑物渲染。

在摄影术发明后的很长一段时间，摄影师只能通过长时间曝光完成作品，一个著名的例子是达盖尔在1838年以银版摄影法拍摄的巴黎第三区圣殿大道照片，除了鞋匠和顾客保持不动被记录下外，本应车水马龙的街道因为长时间曝光的原因显得冷清。直到19世纪中后期，随着火棉胶和蛋白印相的发明，曝光时间才得以缩短。

Louis Jacques Mandé Daguerre, Boulevard du Temple, Paris, 3rd arrondissement, Daguerreotype, 1838

19世纪末至20世纪初，建筑摄影师群体开始出现，他们拍摄建筑和城市主要是记录的目的，但不乏有一些艺术性的尝试。这一时期拍摄的街道和教堂等的摄影作品被称为“城市摄影”（urban photography）。城市摄影是摄影师以间接的方式探索建筑与视觉之间的关系的呈现。

  1. Eugène Atget  

活跃于19世纪末到20世纪初的法国纪实摄影师Eugène Atget（1857-1927）在巴黎和周边地区工作了大约35年，不同于通常意义上的用摄影描述巴黎大规模现代化的作品，他关注的是小型商店，例如街边的冰激凌店、花店等等。他的作品同他的为人，都是谦逊的，他曾自称拍摄图片只是为其他艺术家创作提供素材。他可能不认为摄影是艺术，但它肯定是一门艺术。该媒体的独特之处在于它是历史存在的证据，一张好的照片能够引发超越时空的思考的摩擦。 Atget制作的图像看起来似乎没有明确的动机，但却有一种开放性和超现实性。超现实主义者赞赏Atget唤起了一个闹鬼的城市，其建筑曾一度有人居住，看似无所依赖。他们在那些简洁而朴素的远景中看到了他们对颠覆（和颠覆欲望）的渴望。

Eugène Atget, Coin, Boulevard de la Chapelle et Rue Fleury 76, 18E, 1921

Eugène Atget, Rue de Seine, Paris, 1924

  2. Frederick Evans  

另一位以拍摄教堂见长的建筑摄影师是Frederick Evans（1853-1943）。Evans对艺术、文学和哲学颇有研究，四十岁卖掉经营已久的书店开始潜心摄影，主要拍摄英国和法国的哥特教堂，这也是出于他对精神性的兴趣。这个世界上从不缺少教堂照片，但Evans拍摄的教堂却与众不同，他的照片从不刺目和冷酷，他对光的把握使得高光和阴影都富有细节且柔软动人，全然没有哥特教堂的黑暗和距离感。他常常聚焦于教堂内部空间甚至是一些细节，光浸润了每一个角落，台阶如同层层浪花富有动感。他的作品给人以光线和空间共同呈现的精神性的体验。

Frederick Evans, Crypt, Ancient Crypt cellars in Provins, France, 1910

Frederick Evans, The Sea of Steps, Wells Cathedral, Stairs to Chapter House and Bridge to Vicar~q~s Close, England, 1903

  3. Berenice Abbott  

在Berenice Abbott（1898-1991）拍摄的新都市摩天楼照片中，在一群不同功能的塔楼下面，有一幢两层高的展示房屋，采用最新技术建造。公众每人支付10美分就可以参观价值1万美元的空置房屋。房子是暂时的，但Abbott的照片保留了这个事件，并提供暂停反思。当美国的办公室向天空移动时，住宅房屋将横向扩散，成为一个无尽的郊区。

Berenice Abbott, House of the Modern Age, Park Avenue & 29th Street, 1936.

  4. Walker Evans  

Abbott的朋友Walker Evans（1903-1975）起初被曼哈顿的摩天大楼吸引，拍摄了许多垂直、夸张角度和网格状立面的视觉刺激图片，这些照片让人联想到欧洲新视觉摄影，但是像Abbott一样，他很快又退回去采取一种更加谨慎的态度。流行的矫揉造作让Evans开始尝试更加中立，不那么强迫的思维和拍照方式。他专注于省级城镇，远离大城市的奢侈，在波士顿周围记录维多利亚式房屋。1933年，这些照片在现代艺术博物馆（MoMA）的建筑画廊中作为文件展出，五年后，埃文斯成为第一位在现代艺术博物馆以自己的名义举办个展的摄影师。

Walker Evans, Frame Houses, New Orleans, Louisiana, 1936.

Walker Evans, Houses and Billboards, Atlanta, 1936.

Evans明白摄影和建筑是相关的系统。作为档案收集或按顺序排列，建筑物的图像可以成为关于社会及其自身图像的复杂陈述的途径。阅读可以是象征性的，隐喻的或字面的，尤其是因为他的照片经常包括书写和商业标牌，这些图像可以理解为现代生活新紧张局面的蒙太奇。

Page from ‘Photographic Studies’ by Walker Evans, The Architectural Record, 1930

作者将主要的时间节点对应摄影师及其作品绘制成时间轴，方便读者更好地理解：

城市摄影历史时间轴，王雨蒙制作 （点击放大仔细阅读）

建筑、空间等在当代摄影艺术历史上占据举足轻重的地位。如果对当代艺术语境下的建筑摄影作品进行划分，大致可以归为两类：冷面摄影（Deadpan Photography）和情景摄影（Tableau Photography）。

冷面摄影

冷面摄影（Deadpan Photography）是一种冷静的、超然的、敏锐的摄影类型，这些作品可能会让观者有情绪上的感受，但对作品的情感体验不是理解冷面摄影作品的办法。重点在于，这些冷静而客观的作品将摄影作为一种超越个人视角局限的方式。冷面摄影可能在其主题描述中具有高度特异性，但其看似中立和整体的视觉呈现却是史诗般的。它试图绘制和传达一种力量，从单一的人类角度来看，这种力量是人造和自然世界的主导。

冷面审美上个世纪九十年代开始流行，尤其是在景观和建筑主题上，如今，冷面摄影促成了摄影占据当代艺术中的中心位置。冷面摄影也常被成为“德国式的”摄影，这样的称呼不仅因为这类作品本身客观严谨的特征，更是因为当今最著名的冷面摄影艺术家大多来自德国杜塞尔多夫艺术学院（Kunstakademie Düsseldorf）。

  1. Bernd & Hilla Becher  

Bernd（1931-2007）和Hilla Becher（生于1934）在塑造当代冷面摄影发挥了重要作用。Becher夫妇于1957年开始拍摄德国工业建筑物（或构筑物）黑白照片，例如水塔、矿井等。 每张作品都是从相同的角度，在相同的光照环境下（阴天），并保持地平线位于相同的高度拍摄的，过滤掉许多不必要的信息。多个相同功能的建筑物（或构筑物）排列成网格形成一个作品，内部形成相似和区别。他们的作品暗示形式和功能的关系，告诉人们工业革命标准化后，人们对差异性依然有需求。他们的作品系统的开创了摄影类型学研究。

“我们展示的主要是有角色的物体，其形状是计算的结果，其发展过程是明显的。它们通常是建筑物，它们通常把“匿名”接受为风格。他们的特点不是源于，而是因为缺乏设计。”

这本书名为Anonyme Skulpturen（Anonymous Sculpture），通过它，Becher夫妇的作品在摄影、建筑和艺术的交汇处占据了一个关键的位置。它将艺术引入一种复杂的类型学研究的一部分，充满了对乌托邦理性的怀疑。他们的高度制作的图像或网格消除了所有签名风格的痕迹，甚至他们选择的主题也很有趣：那些工业结构在建筑的官方话语中没有位置，更不用说艺术了。

Bernd & Hilla Becher, Water Towers, 1968-80

Bernd & Hilla Becher, Winding Towers, 1966-1997

尽管如此，假设Becher夫妇工作的成果是因为适应特别的时代，这种说法也是错误的。事实上，定义时间的困难似乎是其作品持久魅力的源泉。除了主题之外，其特征还在于均匀、平坦的光线。在这样的轻型建筑中，正如Richard Sennett在讨论Thomas Struth的作品时所说的那样，“赋予他们自己的生命”。弱光使得建筑物有意义，使它们不可思议。光通常是世界的动画师，但是当光拒绝动画时，世界看起来已经死了，而摄影师的任务就是不要“拍摄”那么多。在乳白色的光线下拍照是为了拍摄一个似乎已经从时间中被拔除的世界。

沐浴在一种几乎消除阴影的光芒中可能并非毫无意义，这是十九世纪产生的大部分合理化和信息化图像的首选光，其中没有阴影等同于公正的判断。清晰，柔和的照明被解释为将世界从明暗对比的偏见和阴影的戏剧中解放出来。沉浸在丰富的可见细节中，实证主义科学从不可思议的东西中推断出客观性，从外观的清晰度中推断出观念的清晰度。 Becher夫妇以一种客观的方式“盯着”事物，因此他们的主体几乎“盯着”他们。  他们反对自Pop art以来西方艺术一直关注的的惹人眼球和时髦的技巧。

Becher夫妇的作品在“New Topographics：photographs of a man-altered landscape”展览中展出，这是一个始于1975年的美国巡回展。该展览主题是人类工业活动对景观的改变，展出作品多是欧洲和北美摄影师对景观和建筑摄影具有开创性的尝试。除Becher夫妇外参展的艺术家还有Lewis Baltz（1945-2014）、Henry Wessel JR（1942-2018）、Robert Adams（生于1937）、Joe Deal（1947-2010）、Stephen Shore（生于1947）、Frank Gohlke（生于1942）、Nicholas Nixon（生于1947）和John Schott。

  2. Robert Adams  

新类型学出现在战后的美国，大量的城市建设启动，艺术家开始质疑和反思这些建设活动。他们的作品摒弃了传统景观摄影中对纯粹的自然风光的褒奖，而是表达一种景观与人类活动息息相关而不是割裂的态度。例如Robert Adams的经典之作Mobile Homes所展示的“多层的意义”（layers of meaning）：远处的山峦暗指传统的景观摄影，近处却突兀的出现一片建筑群，棱角分明的轮廓与山峦的曲线形成刺目的对比，展现一种人类和非人类的关系。该展览对环境保护来说非常重要，它提示人们景观不只存在于野外，也存在于有人类活动的城市、郊区和乡村。

Robert Adams, Mobile Homes, Jefferson Country, Colorado, 1973

The New Topographics catalogue, internal spreads

The New Topographics catalogue, internal spreads

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